Épisodes

Evil Dead Burn : le nouveau film d’horreur de Sébastien Vaniček, réalisateur de Vermines, qui revisite la célèbre saga avec un déluge de gore, une mise en scène inventive et un véritable travail autour de la violence familiale et conjugale. Entre Deadites, Necronomicon et scènes particulièrement brutales, Evil Dead Burn divise Manu et Cédric, notamment sur son rythme, ses excès et son rapport à la mythologie de la franchise.

L’Odyssée de Christopher Nolan : une nouvelle adaptation du célèbre récit mythologique d’Homère, entre aventure, fantastique et grand spectacle. Le film suit Ulysse dans son long voyage de retour vers Ithaque après la guerre de Troie, confronté aux dieux, aux monstres et aux créatures mythologiques. Revenons sur cette ambitieuse adaptation, son casting cinq étoiles, ses choix de mise en scène et les qualités comme les limites de ce grand retour du péplum au cinéma.

Midsommar, le film d’horreur d’Ari Aster avec Florence Pugh, mêle folk horror, deuil et relation toxique dans une Suède aussi lumineuse qu’inquiétante. Un film fascinant et dérangeant.

Nausicaä de la Vallée du Vent : un film d'animation emblématique de Hayao Miyazaki, sorti en 1984, qui explore les thèmes de l'écologie, de la guerre et de la coexistence avec la nature. Ce classique de l'animation japonaise suit les pas de Nausicaä, une princesse atypique qui tente de comprendre et de protéger son monde menacé par une forêt toxique et des créatures géantes. Revenons sur la genèse de ce film, né d'un manga inachevé, et sur son actualité persistante, près de 40 ans après sa sortie, avec une réflexion sur son influence et son impact sur les générations de cinéphiles et d'amateurs d'animation.

Découvrez l'adaptation cinématographique des Backrooms, un phénomène viral né sur 4chan en 2019, qui a inspiré un film sorti en 2026, mais qui peine à recréer l'atmosphère de terreur de la creepypasta originale, avec un scénario qui essaie de tout faire à la fois, mélangant horreur atmosphérique, plongée psychologique, enquête mystérieuse et science-fiction complotiste, résultant en un film qui perd son âme en route, avec des personnages manquant de profondeur et un mystère qui s'effiloche, explorant les défis de l'adaptation d'un concept internet en un long-métrage cinématographique.

Adapté de la bande dessinée de Marjane Satrapi, ce film d'animation explore les thèmes de l'exil, de la liberté et de l'identité, à travers les yeux d'une enfant qui navigue entre les bombes, les rêves de punk et les conseils de sa grand-mère. Les scènes de guerre, les moments de poésie et les dialogues avec Dieu ou sa grand-mère sont bouleversants et donnent une force incroyable au récit. Le film aborde également les défis de l'intégration en Europe et les conséquences d'une révolution qui viré au cauchemar religieux. Persepolis est un film qui ose tout, rire, pleurer et rappeler que l'Histoire est avant tout des vies brisées, et explore les complexités de la révolution iranienne et de ses conséquences sur les individus.

Découvrez Alerte Rouge, le film d'animation Pixar qui explore l'adolescence sous un angle unique, avec une héroïne qui se transforme en panda roux géant lors d'émotions fortes. Le film aborde des thèmes universels tels que la puberté, la relation mère-fille et l'émancipation, avec une touche de fantastique et d'humour. Réalisé par Domee Shi, premier long-métrage Pixar signé par une femme, Alerte Rouge propose une réflexion sur l'acceptation de soi et la gestion de ses émotions, posant la question de savoir si l'on doit contrôler sa nature ou l'accepter. Entre crises de colère, moments de gêne et quêtes d'identité, le film offre une vision originale de l'adolescence et de ses défis, avec une bonne dose d'humour et de sensibilité.

Obsession, réalisé par Curry Barker est un thriller psychologique qui explore les thèmes de l'amour, de l'obsession et de la possession. Ce film indépendant joue avec les codes de l'horreur pour créer une atmosphère tendue et dérangeante, avec une réalisation soignée et une actrice principale qui impressionne. Les références cinématographiques, de Ring à Get Out, sont bien intégrées, et la patte visuelle unique du réalisateur fait de ce film une œuvre à la fois accessible et ambitieuse. La question de l'égoïsme amoureux et des projections toxiques est abordée de manière profonde, laissant le spectateur avec une réflexion sur la frontière entre amour et possession.

Uun film de Lynne Ramsay qui explore les recoins les plus sombres de la maternité et de la culpabilité à travers l'histoire d'Eva, interprétée par Tilda Swinton, et de son complexe rapport avec son fils Kevin. Ce drame psychologique aborde la question de la maternité comme fardeau et de l'ambivalence d'une mère envers son enfant, posant une question cruciale sur la capacité d'aimer un enfant non désiré. Le film est caractérisé par une mise en scène visuellement sublime, avec des jeux de lumière et de couleurs qui renforcent l'atmosphère oppressante, notamment le rouge symbolisant la culpabilité, la violence et le regret. Cette analyse plonge dans les thèmes du film, explorant les tensions qui minent la relation entre Eva et Kevin, et comment ces éléments contribuent à créer un sentiment de malaise diffus tout au long du film.

Découvrez le film Cure, un thriller japonais réalisé par Kiyoshi Kurosawa, qui explore les failles de l'âme humaine à travers une série de meurtres inexplicables à Tokyo. Le film suit l'inspecteur Takabe dans son enquête, où il découvre que les tueurs n'ont aucun souvenir de leurs actes et ont tous croisé la route d'un homme étrange. Cette œuvre cinématographique se démarque par son ambiance de malaise diffus et son refus de suivre les conventions du polar classique, laissant le spectateur avec plus de questions que de réponses. Kiyoshi Kurosawa, formé à l'école de Shigehiko Azumi, offre une réflexion profonde sur l'identité et la condition humaine, où le mal n'est jamais spectaculaire, mais bien présent. Cure est un film qui se glisse sous la peau du spectateur et y reste longtemps après la fin, invitant à une réflexion sur la nature de l'humanité et les failles de l'âme.

Michael, réalisé par Antoine Fuqua, explore la vie de l'artiste emblématique Michael Jackson, mais semble esquiver les sujets délicats tels que les accusations de pédocriminalité. Le film se concentre sur les aspects les plus lisses de la carrière de Michael Jackson, offrant un portrait quasi angélique de l'artiste, sans véritablement interroger le malaise entourant sa figure publique. Analysons les choix de réalisation et la représentation de Michael Jackson dans ce film, qui se positionne comme un hommage nostalgique plutôt qu'un véritable portrait de l'artiste.

Film de science-fiction réalisé par Jonathan Glazer, avec Scarlett Johansson dans le rôle d'une prédatrice extraterrestre qui utilise son charme pour attirer des hommes dans son piège. Le film explore les thèmes du regard masculin et de la construction de l'identité féminine, avec Johansson jouant un personnage à la fois séduisant et inquiétant. À travers son atmosphère étrange et hypnotique, Under the Skin nous confronte à nos propres fantasmes et peurs, tout en déconstruisant l'image publique de Scarlett Johansson. Le film est une réflexion sur la condition humaine et les dangers du regard objectifiant, nous invitant à réfléchir sur notre propre perception de la réalité.

John McTiernan explore les codes du cinéma d'action des années 80 à travers l'histoire d'un jeune fan de cinéma projeté à l'intérieur de son film préféré. Le film suit Danny, un adolescent de 13 ans obsédé par les films d'action, qui se retrouve propulsé dans l'univers de Jack Slater 4, le dernier opus de la saga de son héros. Avec une mise en abyme du cinéma d'action, le film tente de déconstruire les clichés du genre, mais peine à trouver son ton. Le réalisateur John McTiernan, connu pour ses films d'action, cherche à jouer avec les codes du genre, mais le résultat est un film qui se prend les pieds dans son propre concept. Analysons les éléments qui font de Last Action Hero un film à la fois intéressant et décevant, et explorons les thèmes de la réalité et de la fiction dans le cinéma d'action.

Découvrez le cinéma iranien contemporain à travers trois films marquants : Une séparation, La Loi de Téhéran et Leïla et ses frères, qui explorent les contraintes et les libertés créatives des réalisateurs iraniens, et révèlent les complexités de la société iranienne, où le non-dit et les sous-entendus sont souvent plus éloquents que les dialogues, pour mieux comprendre les enjeux et les thèmes abordés dans ces œuvres cinématographiques, qui utilisent l'intimité des histoires personnelles pour parler de questions sociales plus larges, et ainsi mieux appréhender la richesse et la diversité du cinéma iranien.

La Traversée de Paris, un film de Claude Autant-Lara qui secoue les codes du cinéma français des années 50 en plongeant dans la lâcheté humaine et les petits arrangements de l'Histoire sous l'Occupation, à travers l'histoire de deux hommes contraints de traverser Paris de nuit pour livrer de la viande au marché noir, révélant une satire grinçante de la nature humaine où personne n'est épargné, pas de héros, juste des antihéros et des personnages complexes qui oscillent entre naïveté et cynisme, dans un monde frontal et sans concession.